Texto crítico sobre una película de Clint Eastwood

RÍO MÍSTICO

Es posible que las situaciones que producen alegría sean más que aquellas que causan el dolor, pero en definitiva son éstas últimas las que dejan marcas imborrables.

“Río místico”, emblemática película de Clint Eastwood.
Basada en la novela homónima de Denis Lehane y adaptada de forma excelente por Brian Helgeland, el mismo que años atrás escribiera el guión de “L.A. confidential”. La cinta cuenta la historia de Jimmy Markum, Sean Devine y Dave Boyle, a quienes un evento trágico los ha separado de niños y muchos años después otra tragedia vuelve a unirlos.
El filme inicia y se desarrolla de manera pausada, pero desde el planteamiento de los hechos sumerge al espectador en una atmósfera de dolor. Hay muchas cosas que resaltar en ésta producción, iniciando por las actuaciones, cada uno de los personajes es interpretado de tal forma que van transmitiendo el peso que cada uno lleva encima.
El mérito es compartido entre los actores y el director, pues la elaboración que se hace de cada personaje es, dicho en una palabra, magistral. Jimmy Markum es interpretado por Sean Penn quien realiza un trabajo formidable, su rostro refleja con gran intensidad los diversos estadios del dolor humano.
Kevin Bacon tiene a su cargo el papel de Sean Devine, convertido en detective de homicidios, su personaje es el menos emotivo de los tres, quizá el de menor dificultad, pero lo elabora con tal cuidado que al final resulta brillante.
Dave Boyle es llevado a la pantalla por Tim Robbins, cada una de sus expresiones corporales y faciales transmiten, sin concesiones de ninguna clase, la dificultad que conlleva arrastrar las consecuencias del abuso sufrido cuando niño. El reparto lo completan Marcia Gay Harden (Celeste Boyle), Laura Linney (Annabeth Markum) y Laurence Fishburne (Whitey Powers); los tres elaboran personajes imprescindibles en el desarrollo de los hechos y en la consecución de una película redonda.
“Río místico” es la puesta en escena, como pocas veces se ha visto, de la condición humana en todas sus representaciones, en ella se ponen de manifiesto la violencia, la lealtad, el dolor, el amor, la amistad, la traición.
Sus 137 minutos de duración dan una apabullante lección de cómo elaborar los personajes, de cómo utilizar la fotografía para acentuar las actuaciones, la música para acompañar los momentos dramáticos, en otras palabras dan una muestra del cine en su máxima expresión.
Se la recomiendo, es una de aquellas películas que nos hacen reflexionar y que no se borran de la mente en poco tiempo. Calificación 10/10.

Fernando Ramos

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Esta es una nota sobre una película de Los Hermanos Coen, dos de los mejores cineastas de la actualidad.

EL HOMBRE QUE NO ESTABA AHI

Al final la vida siempre es hermosa y vale la pena vivirla, pero no se puede dejar de lado que, muchas veces, es difícil sobrellevarla. Los más optimistas, ¿ingenuos quizá?, justifican las adversidades con la trillada frase “pudo haber sido peor”; ¿optimismo puro o consuelo de pobre?
De cuando en cuando el cine aborda el tema, algunas veces no muy bien, otras de forma acertada. Un ejemplo de lo segundo es “The man who wasn´t there”, que traducida literalmente sería “El hombre que no estaba allí”.
Se trata de una lúcida pero complicada película de la factoría de los hermanos Coen, en donde se cuenta la historia de Ed Crane (Billy Bob Thornton), un peluquero cuya existencia es totalmente insustancial y sin ninguna gracia. Eso lo dice, aunque no literalmente, él mismo.
Ed es una persona normal, tiene esposa, un trabajo, es un miembro conocido dentro de su comunidad, es decir, tiene una vida para vivirla, pero como ya se dijo, se encuentra inmerso en el vacío. Por tal motivo, toma decisiones encaminadas a revertir el rumbo.
La cinta es una excelente muestra de cine arte, equilibrada en todas sus partes -guión, dirección, actuaciones, fotografía, maquillaje, dirección, por mencionar algunos-, todos elaborando un brillante conjunto, en donde sobresale la fotografía.
El peso de la historia recae en Billy Bob Thornton, quien realiza una enorme actuación. Su personaje le da exacto sentido al título del filme, pues representa a un tipo que deambula por la vida, con una expresión de indiferencia, en donde no se sabe si ignora todo cuanto lo rodea o es ignorado por su entorno.
Lo cierto es que el desarrollo de los acontecimientos lo llevan a pensar que la suerte está de su lado, pero al final el cúmulo de enredos lo conduce a un destino fatal, que en resumidas cuentas puede ser real o inventado por él mismo.
“El hombre que no estaba allí”, producida, escrita y dirigida por Joel y Ethan Coen, es una producción que pone de manifiesto, una vez más, el gran talento y oficio de estos dos cineastas. Está cargada de fino humor negro y situaciones absurdas, algunas veces grotescas, en donde cada cosa que sucede, por más paradójica que parezca, le da sentido a lo que se quiere mostrar.
Bueno, hay que tomar en cuenta que el planteamiento de los hechos no es simple. Lo cierto es que cuando se hace el recuento final, nada es lo que parece ser, por lo tanto se exige total atención por parte del espectador. La cinta fue estrenada en los Estados Unidos en el 2001, pero no llegó a las carteleras locales. Está disponible en video o DVD. Búsquela, se la recomiendo. Calificación 10/10.

Fernando Ramos

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VIOLINISTA EN EL TEJADO

“Sin nuestras tradiciones viviríamos tan inestables como un violinista en el tejado”, son las palabras iniciales de Tevye, un lechero con esposa y padre de cinco hijas, protagonistas principales de esta conmovedora película que se desarrolla en una pequeña aldea, en la Rusia zarista, llamada Anatevka. La cinta es la adaptación al cine del exitoso musical del mismo nombre, en donde se aborda el tema del desplazamiento del que ha sido objeto el pueblo judío a lo largo de la historia. El planteamiento del filme es sencillo, pero audaz, pues por medio de situaciones simples se va demostrando que para superar el estancamiento, en el que vive la aldea, se hace necesario transgredir las milenarias tradiciones que han regido la vida del pueblo judío; sin embargo, para los habitantes de aquella aldea, cualquier acto que vaya en contra de lo que siempre han creído, representa una blasfemia; por lo tanto, todos aceptan con estoicismo los acontecimientos, pues asumen que siendo el pueblo escogido de Dios, cualquier cosa que venga estará enmarcada dentro de la tradición y no será nada que no le haya sucedido a sus antepasados. “Violinista en el tejado”, dirigida por Norman Jewison, es una producción cuyo tamaño debe medirse en función de todos sus elementos: actuaciones, guión, música, fotografía, dirección, todas de enormes proporciones. El contenido de la cinta puede resumirse en dos de sus diálogos: cuando Tevye, con la mirada hacia arriba, con los ojos acuosos, pero en tono de reclamo, casi al final de la famosa canción “Si yo fuera rico” dice: “dime, creador de leones y ovejas; dime, tu que decretaste mi destino ¿arruinaría algún plan divino el que yo fuera un hombre adinerado?”. El otro diálogo es de Motel (esposo de una de las hijas de Tevye), dirigiéndose al Rabino: “hemos esperado al Mesías toda la vida, ¿no es hora de que venga? a lo que el Rabino contesta: “tendremos que esperarlo en otro lugar”. Protagonistas: Topol, Norma Crane, Leonard Frey, Paul Mann.

Fernando Ramos

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AQUI SE TE EXTRAÑA TANTO
(Crónica tardía del concierto de Arjona en Guatemala)

El guatemalteco promedio sigue sintiendo que Ricardo Arjona le pertenece, por eso un concierto suyo en tierras chapinas siempre estará cargado de nostalgia. Es algo así como el recuerdo de la primera vez que escuché “Verbo no sustantivo”, era finales de los ochentas en la plaza de Los Mártires, de la universidad de San Carlos de Guatemala, el dúo Mano de obra cantaba la que se convertiría en la canción más emblemática de Arjona; jamás supe como llegó a su repertorio. Mateo se llamaba el guitarrista, a quien le faltaba una mano, y rasgueaba la guitarra con lo que le quedaba del brazo, “todos los que pensaron como tú hoy están bocarriba” decía la letra, a la que agregaba los nombres de Colóm Argueta y Oliverio Castañeda. Cosas así se vienen a la mente mientras la cola avanza despacio, pero ordenada. Los que vinieron desde muy temprano se quejan, los que llegamos cuando la cola ya estaba en movimiento nos sentimos con suerte, más aún cuando al llegar a la puerta nos llevan a palco, porque tribuna ya estaba llena. Como en cualquier lapso de espera, el tiempo se hace largo, después de un tiempo aparece una especie de grupo coreográfico y un DJ a quienes nadie pone atención, a la larga cualquier espectáculo previo hubiera sido intrascendente, todos vinieron a ver a Arjona, todo lo que pudiera suceder sería simple relleno. Termina la música del DJ y la gente en la gramilla se arremolina, no falta el que dice “es él, es él”; pero aun falta esperar un poco más. “Minutos, son la morgue del tiempo, cadáveres de momentos, que no vuelven jamás”, es la canción que mejor ilustra la espera, ni siquiera la ola humana que se forma en las gradas evita el tedio, pues son muchos minutos los que han pasado de la hora programada, la hora chapina que le dicen. “Arjona, Arjona”, corean las voces al unísono, y poco tiempo después se encienden las pantallas gigantes del escenario. Un video que expone momentos de la vida del cantante se deja ver. “Ese sólo lo ponen cuando el concierto es en su país”, dice alguien a lo lejos, como queriendo intuir que lo que viene será completamente especial. El video finaliza con la aparición de una figura vestida de negro, quien simula ir caminando por una estación del metro; “hubiera recreado el transmetro mejor”, expresa alguien, con sarcasmo. No hay palabras, ni saludo, canta tres canciones y hasta entonces se detiene; pronuncia algunas palabras y promete cantar todo lo que el público quiera y pida, pues ha sido mucho tiempo de ausencia. Son palabras para emocionarse y esperar una jornada interminable, al fin y al cabo está en su país y hasta su papá vino a verlo. Cuenta anécdotas que se sienten más largas que las canciones, habla del pudor de su abuela, de cómo su madre se fue de mojada, de la primera novia que tuvo, de cada cosa que lo inspiró. Habla y canta. En la medida que avanza el concierto se advierte que todo va de acuerdo a un guión preestablecido, hasta cuando improvisa se ve que todo ha sido preconcebido. El saxo toca un solo de Luna de Xelajú, el graderío se emociona y muchos piensan “que lindo, como está en Guatemala”, mientras la amiga mexicana, que está a la par mía y que lo ha visto varias veces, me toca el hombro y me dice, “en México siempre toca música folklórica de allá”. Habla de nuevo: “para la siguiente canción necesito una modelo”, “va a cantar Tu reputación” bromean por ahí, al mismo tiempo que las cámaras buscan entre el público, la cámara se topa con una pancarta que dice “aquí se te extraña tanto”, él la lee y dice, casi sin detener la búsqueda, “yo también los extraño”. La cámara, finalmente, encuentra a la señora de las cuatro décadas y la canción empieza a sonar. El rostro de la modelo, profundamente emocionada y tirando besos al aire, mientras agradece, se llena de lágrimas; “un favor le está haciendo, porque se ve como de cincuenta” se oye entre el murmullo. Todo mundo cuenta las canciones, pero nadie sabe el número exacto, “van unas quince”, el tiempo pasa volando, pero no se espera todavía el final, pues al inicio ofreció que cantaría todas las que el público quisiera, hay que recordar que el concierto es en Guatemala y tiene que ser especial. En algún momento se cambia de ropa, hasta se pone la camisola de la azul y blanco. Pasadas las dos horas ya no se cuentan canciones, se cuentan minutos, “no hay reloj que de marcha hacia atrás”. Sigue cantando pero llega el momento de oírlo decir “gracias Guatemala”, mientras va para adentro. “Mujeres, Mujeres”, el grito lo hace salir, canta “Mujeres” y luego se va definitivamente, no fue la mejor despedida. “Otra, otra, otra”, gritan en las gradas, pero el estallido de los fuegos pirotécnicos anuncia el final, y es por demás, no volverá a salir. “Dice y hace lo mismo en cada concierto que lo he visto”, me susurra el esposo de la amiga mexicana. Finalmente todo transcurrió de acuerdo al guión, lo último que veo es la pancarta que dice “Aquí se te extraña tanto”.

Fernando Ramos

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ATRAPADO SIN SALIDA

En la historia del Oscar, sólo hay dos películas que han ganado los premios principales, Mejor película, director, actor, actriz y guión; una es “El silencio de los corderos”, la otra es “Atrapado sin salida”, título en español para “One flew over the cuckoo´s nest”. Dirigida por Milos Forman, la cinta cuenta la historia de R.P.McMurphy un convicto que es trasladado al hospital de psiquiatría del estado, con el objetivo de ser evaluado y determinar si debe ser tratado como enfermo mental o como un prisionero común. En el desarrollo del filme, el relato se va convirtiendo en una brillante metáfora de la realidad, en donde el poder es ejercido por la señorita Ratched, quien debajo de su frágil y bondadosa máscara, esconde una personalidad fría y carente de compasión; por lo tanto los pacientes se convierten en el blanco de su tiranía y son privados de todas sus libertades, no sólo por el hecho de estar encerrados, también porque son reducidos a seres que obedecen sin oponer resistencia. Se trata de una obra maestra en toda su dimensión, en donde todos los elementos funcionan a la perfección, aun así sobresalen las actuaciones, encabezadas por Jack Nicholson (McMurphy), quien realiza una de las mejores Interpretaciones de la historia del cine; a la par de Nicholson, Louise Fletcher (señorita Ratched), elabora un personaje ambivalente y con todos los elementos necesarios para calificarlo como la mejor interpretación de un villano en película alguna. Como representación de la vida, el filme contiene escenas de alegría, tristeza, indiferencia, anarquía, por mencionar algunos estadios de la sensibilidad humana, remarcado todo, de forma inmejorable, en la escena final, en donde se muestra que aun en la tragedia se puede encontrar un poco de esperanza. Completan el reparto: Danny De Vito, Christopher Lloyd, William Redfield y Will Sampson. Búsquela en DVD, es imprescindible, para todo cinéfilo, verla.

Fernando Ramos

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